Por primera vez a Roma, se presenta una exposición de Johannes Vermeer, el máximo exponente de la pintura holandesa del siglo XVII. La exposición en la Scuderie del Quirinale incluye, de hecho, una valiosa selección de obras de Johannes Vermeer, rarisimas y distribuidas en museos de todo el mundo (y ninguna en Italia), y cerca unas cincuenta obras de artista holandeses contemporáneos a Vemeer.
Los
visitantes a la muestra pueden, por lo tanto, no sólo conocer a este genio de la
pintura de la vida todavía hoy envuelta en el misterio, a partir de su
fecha de nacimiento que aún es desconocida, pero también entender cómo
el maestro de Delft se ha relacionado con otros artistas activos en su
ciudad natal y en los pueblos cercanos de efervescencia cultural, como
Ámsterdam, Haarlem y Leiden. Además de las obras maestras del artista,
la exposición cuenta con obras de Carel Fabritius (uno de los artistas
más famosos de la época, que murió en la explosión del polvorín en 1654
la cual destruyó gran parte de la ciudad de Delft) Pieter de Hooch y
Emmanuel de Witte, junto con artistas celebrados en su momento pero
ahora no menos conocidos como Gerard ter Borch, Gerrit Dou, Nicolaes
Maes, Metsu Gabriel, Frans van Mieris, Ochtervelt Jacob, Jan Steen y
muchos otros maestros refinados y sorprendente.
Woman with a Lute (1662/3) Oil on canvas, 51.4 x 45.7 cm Metropolitan Museum of Art, New York
Una mujer joven que llevaba una chaqueta de armiño con adornos de perlas y aretes enormes ansiosamente mira por la ventana, a la espera de un visitante masculino. Un galanteo musical es sugerido por la viola da gamba y en primer plano por la cantidad de partituras en toda la superficie de la mesa y en el suelo. El acto de afinar el laúd sugiere la virtud y la tem- planza a los espectadores contemporáneos. La pintura fue probablemente realizada después de Young Woman with a Water Pitcher (obra que se halla en el mismo museo) y que comparte con la pintura algunas semejan- zas, como su forma de en- cuadre rectangular de la figura, o el situar el foco de luz a la izquierda del espectador. Pero esta pintura tiene tonos más apagados, lo que refleja un cambio en esa dirección de Vermeer a mediados de los años 1660. En ese momento, Vermeer comenzó a utilizar las sombras y contornos suaves que evocan una atmósfera de mayor intimidad. La pintura se donó al museo en 1900 por un legado de Collis P. Huntington. En una restauración de 1944 quedaron al descubierto el collar y la perla en la oreja de la modelo.
El carácter específico de las pinturas de Vermeer y sus contemporáneos reflejan la cultura de la clase media holandesa del siglo XVII.Los temas hogareños y el fuerte sentido del realismo característico en su estilo, fascinaba coleccionistas privados de la época, en su mayoría comerciantes, panaderos, cerveceros, que exhibían las pinturas en sus casas pidiendo siempre nuevos temas. La pintura de Vermeer era íntima y llena de matices que se ocupa principalmente de temas centrados en el privado. La familia, los gestos y los momentos de la vida cotidiana, la lectura y la escritura (especialmente la correspondencia privada), el cortejo, la música y el estudio de la ciencia, y después las vistas de la ciudad, los atisbos de un mundo silencioso y trabajador, luminoso de ironía y ternura reflexiva. Estos eran los temas vermeeriani.
Girl with the Red Hat (1665/1666)Oil on panel, 22.8 x 18 cm
Washington, National Gallery of Art (Andrew W. Mellon Collection)
Muchacha con el sombrero rojo, es una de las más pequeñas obras de Johannes Vermeer, está pintado sobre tabla y no sobre lienzo como era habitual al maestro de Delft. La figura esta girada en su silla e interactúa con el espectador a través de su mirada directa. El efecto es de una inusual espontaneidad e informalidad. El artista hace un uso exquisito del color, que es la característica más notable de la pintura, y tambien la composición y su impacto psicológico. Vermeer concentran los dos colores princi- pales en dos áreas bien diferenciadas: un rojo vibrante para el sombrero y un azul suntuoso para la túnica, y a continuación, utiliza la intensidad de la corbata blanca para unificar el conjunto.
En
los últimos años el arte holandés fue abundante y ampliamente estudiado
y varias exposiciones se le han dedicado en Inglaterra, Holanda,
Alemania, Japón, España y los Estados Unidos, todas memorable pero
lejanas en el tiempo y el espacio. Aunque si los conocedores y amantes
del arte en Italia son ahora plenamente conscientes de las virtudes y la
variedad de la pintura holandesa respecto a cuanto no lo fueron las
generaciones anteriores, todavía faltaba una reseña verdaderamente
exhaustiva sobre aquella época feliz del arte que fue el siglo XVII, sea
por la extrema dificultad en encontrar los trabajos disponibles raros y
preciosos, celosamente preservados por algunos museos y coleccionistas, sea por su fragilidad. Hoy la Scuderie del Quirinale se
enorgullece de ofrecer esta exposición que ayudará a entender y
aprender sobre el arte holandés y en particular este grande, absoluto e
indiscutido maestro del arte.
Oil on canvas, 54,3 x 44 cm Rijksmuseum, Amsterdam
La obra está firmada en la esquina inferior izquierda, con la firma "I V MEER". Este cuadro representa un pedazo de la vida cotidiana de los holandeses de la época, ocupados en sus quehaceres. Vermeer unió lo cotidiano y lo eterno, consi- guiendo una intimidad entre el medio y el hombre. La paleta empleada por el artista es más clara que la que solían utilizar Jan Steen y Pieter de Hooch en escenas similares. Como en tantas otras ocasiones, Vermeer ha realizado cambios en la composición final, eliminando por ejemplo una figura femenina que se situaba a la derecha de la entrada del callejón. La masa vegetal que se observa a la izquierda del cuadro presenta en la actualidad una tonalidad azulada, quizá por una mala reabsorción del amarillo original. Como curiosidad, este es uno de los tres lienzos en los que Vermeer pintó el cielo. Los otros dos son Vista de Delft y El Descanso de Diana.
La obra está firmada en la esquina inferior izquierda, con la firma "I V MEER". Este cuadro representa un pedazo de la vida cotidiana de los holandeses de la época, ocupados en sus quehaceres. Vermeer unió lo cotidiano y lo eterno, consi- guiendo una intimidad entre el medio y el hombre. La paleta empleada por el artista es más clara que la que solían utilizar Jan Steen y Pieter de Hooch en escenas similares. Como en tantas otras ocasiones, Vermeer ha realizado cambios en la composición final, eliminando por ejemplo una figura femenina que se situaba a la derecha de la entrada del callejón. La masa vegetal que se observa a la izquierda del cuadro presenta en la actualidad una tonalidad azulada, quizá por una mala reabsorción del amarillo original. Como curiosidad, este es uno de los tres lienzos en los que Vermeer pintó el cielo. Los otros dos son Vista de Delft y El Descanso de Diana.
En 1632, el año del nacimiento de Johannes Vermeer, los Países Bajos formaba parte de la República de las Provincias Unidas, una confederación de regiones que en el 1568 se había rebelado contra el dominio de los Habsburgo, llegando en 1581 a proclamar su independencia. Después de una guerra larga y agotadora (1568-1648) - en la que las reivindicaciones políticas se unieron a la propagación del protestantismo - la nueva nación obtuvo su independencia completa, estableciéndose en Europa por la excepcional prosperidad de su comercio y su economía. El estilo de vida riguroso, coherente con el calvinismo dominante, fue acompañado por una tolerancia considerable con respecto a la libertad de religión y de pensamiento, contribuyendo a la aparición de una clase media fuerte y ambiciosa, facilitando el desarrollo de la ciencia empírica y la medicina. Estos son los factores claves en el desarrollo de la peculiar producción artística del siglo XVII holandés. La República de las Provincias Unidas gana su independencia definitiva en 1648 con la Paz de Münster. Cada provincia cuenta con un sistema de auto-gobierno.
Los visitantes a la exposición tendrán la rara oportunidad de ver la única pintura en manos privada de Vermeer. Mujer joven sentada en un Virginal es una obra tardía del pintor de Delft, que data de alrededor de 1670. Vermeer es un artista extremadamente raro, después de haber pintado un pequeño número de obras, de las cuales sólo 30 han sobrevivido. El tema de una joven tocando un instrumento musical en un interior doméstico modesto fue pintada por Vermeer en varias ocasiones. Este es su último trabajo conocido sobre este tema, con la característica luz delicada que cae sobre la mujer, la captura de los pliegues de la ropa y en el instrumento, con una pared detrás de ella. Hasta hace poco, el trabajo era poco conocido. Se llego a dar la autoría a Vermeer a través de examenes técnicos y por los pasajes de pintura muy similares a las de Vermeer en "Dama Sentada en un Virginal" (Galería Nacional, Londres) aunque si el chal amarillo pudo haber sido pintada por otro artista.
Los Países Bajos, que forman parte de la Delft de Vermeer, es la provincia más rica y tiene un papel principal en los Estados Generales. Durante el siglo XVII los Países Bajos es, de hecho, era uno de los países con mayor tasa de alfabetización y el floreciente comercio con tierras lejanas proporciono un suministro constante de productos exóticos que se pueden encontrar en las pinturas: especias, seda, alfombras turcas, pieles. Delft jugó un papel importante durante la larga guerra de liberación del dominio de los Habsburgo. Hacia 1650 la ciudad contaba con unos 25.000 habitantes y disfrutaron gran prosperidad económica, gracias a la producción de cerveza, tejiendo tapices y procesamiento de la famosa cerámica azul que imita la porcelana china, cuya composición se mantuvo en secreto hasta el siglo XVIII. La presencia de una clase media rica favorecio el desarrollo de la actividad artística. A diferencia de muchos artistas de su tiempo, Vermeer era un pintor establecido. Nació en Delft, donde permaneció hasta su muerte, moviendo sólo dos veces en Amsterdam y una vez en La Haya (Den Haag). Esto no le impidió entrar en contacto con otros artistas y competir con su experiencia
Oil on canvas, 101,6 × 82,6 cm
The Barbara Piasecka Johnson Collection Foundation
Santa Praxedis es una pintura al óleo que a menudo se atribuye a Johannes Vermeer, aunque si esto no es universalmente aceptado. En general se cree que es una copia de una obra de Felice Ficherelli, y representa a la mártir romana Santa Prassede. Podría ser una de las primeras obras de Vermeer, pues su primera obra fechada es The Procuress, de 1656. La pintura muestra a la santa exprimiendo de una esponja sangre de un mártir en un recipiente decorado. Está estrechamente relacionada con una obra de Ficherelli 1640-5, ya en la Colección Fergmani en Ferrara, y en general se supone que es una copia de la misma. La diferencia más obvia entre las dos obras es que no hay crucifijo en la obra de Felice Ficherelli. Si la pintura es de hecho, realizada por Vermeer y la fecha es correcta, entonces seria una de sus pinturas más temprana que han sobrevivido. Seria más o menos contemporánea con Christ in the House of Martha and Mary and Diana and Her Companions. La pintura tiene dos firmas. La más obvia de las dos dice "Meer 1655", mientras que en la segunda aparece como "Meer NR oo". Es posible que esta segunda firma originalmente decía "Meer naar Riposo", or "Vermeer after Riposo": Riposo era el apodo de Ficherelli. Si bien el examen realizado por Wheelock le llevó a la conclusión de que ambas firmas fueran originales, otro experto en Vermeer, el conservador Jørgen Wadum, ha argumentado que la primera firma fue introducida en la pintura mucho tiempo después de su finalización, y que la segundo es demasiada "rudimentaria". El olio utilizado para la pintura apuntan a un origen en el siglo XVII, y algunos aspectos sugieren que es holandesa y no italiana. Wheelock identifica similitudes estilísticas con dos cuadros que son universalmente atribuidos a Vermeer. También señala las similitudes entre la representación del rostro de la santa y la figura de Vermeer en A Girl Asleep y argumenta que la conversión del pintor al catolicismo le habría dado su interés en el tema. A pesar de que se considera improbable que la pintura de Felice Ficherelli saliera de Italia, o que Vermeer haya visitado Italia, Wheelock asegura que Vermeer tenía una reputación como autoridad en el arte italiano.
Su obra completa comprende 33-35 cuadros, difíciles de datar. Todavía existen dudas sobre la autoría de los cuadros Dama sentada en un virginal, La joven con una flauta, Diana y sus compañeras y Santa Práxedes. La relativamente escasa producción de los cuadros conservados ha tentado a los estudiosos para atribuirle una y otra vez cuadros, que hoy son considerados en su mayoría como atribuciones falsas. Aunque por la época se le adscribe al Barroco, lo cierto es que la pintura conocida de Vermeer se diferencia mucho de la de su época, en ciertos aspectos está por su "intemporalidad" y "cristalinidad" más cerca de la obra de Jan Van Heyk; en efecto: a diferencia del barroco común la obra de Vermeer carece de muchos adornos, es aséptica, con un aire casi cristalino, limpio, depurado, e intemporal como si detuviera el instante en un momento claro y eterno.
El óleo representa a una mujer ricamente vestida jugando en un virginal, el hogar esta representado con un suelo de baldosas, pintu- ras colgadas en la pared y azulejos blancos y azules de fabricación local, que apare- cen en otras obras de Vermeer. Las identidades de las pinturas en la pared no son ciertas, De acuerdo con la National Gallery, el paisaje de la izquierda puede ser obra de Allart van Wijnants Everdin- gen, la segunda pintura, que muestra a Cupido sostenien- do una tarjeta, se atribuye a César van Everdingen, her- mano de Allart. Este motivo se originó como un emblema contemporáneo, o bien puede representar la idea de fideli- dad a un amante único, o tal vez, lo que refleja la presencia de la virgen, la tradicional asociación de la música y el amor. Este trabajo puede estar relacionado con otro Vermeer “Lady Seated at a Virginal”, del mismo tamaño, que podrian formar una pareja.
Su obra resulta así muy singular en cuanto a que es muy personal y por esto difícilmente encasillable en un estilo; con una cristalina austeridad y una fidelidad obsesiva (muy ajenas al Barroco más común) Vermeer -como en las perlas que adornan a las muchachas que ha representado- acaso sin darse cuenta representa la fragilidad de la vida en retratos que parecerían -usando la nomenclatura actual hiperrealistas- aunque de un hiperrealismo muy meditado y quieto y profundamente intimista, en ciertos cuadros más que al barroco se aproxima al tenebrismo manierismo caravagiano, esto es ostensible en la Muchacha con turbante. Varios de los primeros cuadros de Vermeer se consideran pintura histórica. Este género consiguió en el siglo XVII el nivel más alto de prestigio, por encima de la pintura de retratos, paisajes, bodegones y animales.
The Girl with a Wineglass (1659-60) Oil on canvas, 78×67cm
Herzog Anton Ulrich Museum, Braunschweig, Germany
Aunque en un primer momento las escenas de Vermeer parecen exentas de contenido moral, algunos especialistas piensan que el maestro de Delft dotaba a sus cuadros de un evidente conte- nido moralizante, siempre enten- dido por sus contemporáneos gracias a las claves que distribuía por toda la composición. Como es habitual en Vermeer, la escena se desarrolla en un interior, ubicando a sus figuras en planos paralelos al espectador. En primer lugar se muestra una joven elegantemente vestida con un traje de satén rojo carmesí, con mangas doradas y cuello y puños blancos. Dirige su mirada al espectador con divertido gesto y sostiene en su mano una copa que le brinda un hombre que se inclina hacia ella y le dice algo. Al fondo, tras una mesa cubierta con un mantel azul y un intenso paño de color blanco, observamos a un hombre que apoya su cabeza en la mano derecha. La pared blanca del fondo, las baldosas bicromas y una ventana abierta en la que observamos una espléndida vidriera son los elementos que completan la composición. Hasta aquí todo normal en una escena de género habitual en la pintura holandesa del Barroco; pero si buscamos las claves nos encontramos con una referencia a la seducción mediante la bebida y al adulterio. En la pared del fondo encontramos un retrato de un hombre que podría tratarse del esposo de la dama, cuya mirada parece dirigirse hacia la esposa. En la vidriera se ve una representación de la Templanza, una de las virtudes cardinales, ya que presenta sus habituales atributos: la escuadra que simboliza el obrar recto y la brida que expresa la represión de los afectos. Estos dos elementos deberían ser los frenos que sujeten el instinto de la dama. La mujer dirige su mirada al espectador, como buscando en nosotros el refugio para eludir la relación adúltera que parecen proponerle. La luz vuelve a convertirse en protagonista de la composición, bañando toda la estancia y resaltando el brillo de las tonalidades, especialmente los rojos, los amarillos, los azules y el blanco. La sensación atmosférica creada enlaza con la escuela veneciana liderada por Tiziano y muy admirada por Rembrandt, aunque el estilo de Vermeer sea más detallista como podemos observar en las telas, la vidriera o la bandeja sobre la mesa.
En época de Vermeer, dentro de la pintura histórica se incluía los acontecimientos de la Antigüedad clásica, los mitos y leyendas de santos, además de motivos eclesiásticos y bíblicos. En la segunda mitad de la década de 1650, Johannes Vermeer cambió su interés hacia la pintura de escenas urbanas y costumbristas. La razón de este cambio no es conocida, pero se supone que Vermeer no podía emplear las técnicas de la perspectiva e iluminación en cuadros históricos como lo permitían otros géneros pictóricos. También el cambio de estilo se pudo producir por la influencia de Pieter de Hooch y Jan Steen, que vivían ambos en Delft. Ambos incluían en sus cuadros elementos arquitectónicos y figurativos de la vida diaria. Además, puede que Hooch, Steen y Vermeer se vieran influidos por el ambiente de Delft e introdujeron cambios de contenido y estilo en su pintura. Esta tesis podría estar respaldada porque los cambios de estilo de Steens y de Hoochs se produjeron tras su llegada a Delft
En su limitado catálogo encontramos dos lienzos que tratan temas alegóricos: El Arte de la pintura y la Alegoría de la Fe. “Una mujer sentada con diversos significados, representando el Nuevo testamento, de Vermeer de Delft, pintado con vigor y pasión”. Así se describe el cuadro que contemplamos en el catálogo de la subasta realizada en abril de 1699, fijándose el precio en 400 florines, un precio elevado para su tiempo que indica la calidad de la obra. Su anterior propietario había sido Herman van Swoll, coleccionista e importante figura de la burguesía de Ámsterdam, de religión protestante por lo que no habría comprado la obra por cuestiones religiosas sino más bien pictóricas. El tema representado hace pensar que se trata de una pintura de encargo, creyéndose en un primer momento que el lienzo estaría destinado a los jesuitas de Delft. La escena se desarrolla en un interior, descorriendo un rico cortinaje para que se pueda contemplar la escena, recurso muy habitual en el Barroco que también encontramos en obras de Rubens. En el centro de la composición se halla la mujer, elegantemente vestida y llevando su mano derecha al pecho, apoyando su pie derecho en el globo terráqueo de Jodocus Hondius. Sobre la mesa cubierta con un tapete azul se observa un libro abierto (la Biblia?), un cáliz y un crucifijo, decorando la pared del fondo con un gran lienzo de la Crucifixión, donde Vermeer reproduce, alterándola, una obra de Jacob Jordaens. Junto a la silla de primer plano se ve una serpiente sobre la que ha caído una piedra angular, apreciándose junto a ella una manzana, símbolo del pecado. En el techo se dispone un globo de cristal, inspirado en un libro publicado en Amberes en 1636 por el padre Willem Hesius titulado "Emblemata Sacra de Fide, Spe, Charitate". Esta esfera de cristal que cuelga del techo se interpreta como un símbolo del entendimiento humano. Los especialistas consideran que la figura femenina es una clara representación de la Fe, siguiendo la "Iconología" de Cesare Ripa. Pero resulta curioso que el lugar donde se ubica la figura sea un interior doméstico, un lugar que se corresponde mal con una alegoría pública, lo que ha sido interpretado por Arasse como una clara muestra de las condiciones en las que se practicaba el catolicismo en Delft ya que las dos iglesias católicas estaban ocultas, sin signos exteriores propios de las iglesias, a pesar de ser toleradas. Los diferentes elementos se sitúan en el escenario de manera paralela al espectador, creando de esta manera la sensación de perspectiva, al igual que la utilización de baldosas de color negro y blanco, recurso habitual en el Quattrocento. La luz tiene un papel determinante en la composición al provocar intensos contrastes de claroscuro que recuerdan la pintura de Caravaggio, uno de los pintores barrocos más imitados en el norte de Europa, tanto por el grupo de Utrecht como por Lastman, Hals o el propio Rembrandt. El verismo con el que se representan todos y cada uno de los objetos es una referencia a la escuela flamenca del siglo XV, estilo continuado en los Países Bajos durante varias centurias.
Otras obras que forman parte de la exposición
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| Nicolaes Maes - The naughty Drummer ( 1655) Oil on canvas., 62 x 66.4 cm Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid |
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| Gabriel Metsu Man Writing a Letter (1664-1666) Oil on wood panel, 52.5 x 40.2 cm National Gallery of Ireland |
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| Gabriel Metsu Woman reading a letter (1664-66) Oil on wood panel, 52.5 x 40.2 cm National Gallery of Ireland, Dublin |
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| Gerard ter Borch Woman sealing a letter (1659) Oil on canvas, 56.5 x 43.8 cm Private collection |
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| Gerard ter Borch Curiosity (1660-1662) Oil on canvas, 76.2 x 62.2 cm Metropolitan Museum of Art, New York |
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| Pieter de Hooch The Visit (1657) Oil on wood, 67.9 x 58.4 cm Metropolitan Museum of Art, New York |
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| Jacob van Loo Group of Musicians (1650) Oil on canvas, 73.3 x 66 x 2.5 cm Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid |
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| Pieter de Hooch Portrait of a Family in a Courrtyard in Delft (1658-60) Oil on canvas, 113 x 97 cm Akademie der bildenden Künste, Vienna |
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| Quirijn van Brekelenkam Sentimental Conversation (ca1660) Oil on wood, 41.3 x 35.2 cm Metropolitan Museum of Art, New York |
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