YINKA SHONIBARE

Con fotografías de grandes formatos, el artista anglo-nigeriano narra su punto de vista sobre el declino del Occidente, reconstruyendo cuadros del pasado con crónica teatralidad. Se define como “un esteta con un corte subversivo”. Un artista cuya tarea es aquella de “llevar a las personas en otra parte, en un país de las maravillas creado para ellos”. En su ultima serie de trabajos Yinka Shonibare este “en otra parte” lo ha imaginado lleno de pasión, dolor y nostalgia. Un teatro que describe la caída de los héroes para aludir, con una buena dosis de humor, el declino del Occidente.

Black Gold I (2006) Acrylic paint on wall, acrylic on 25 Dutch wax printed

cotton canvases - National Museum of African Art, Washington, DC

 

Yinka Shonibare, es mejor conocido por su exploración del colonialismo y el post-colonialismo, en un contexto contemporáneo de globalización. Fin del inicio Shonibare combina en su trabajo fantasía, historia, seducción, misterio y provocación, el todo cubierto de una sutil ironía. Al centro de cada obra, sean esculturas, instalaciones, videos o fotografía, mete siempre el tema de la tradición, de la identidad e del multiculturalismo, expreso sobre todo el la fusión de elementos africanos y occidentales.

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Precios, record, galerias

Los precios de las nuevas obras de Yinka Shonibare (en la foto de al lado) van desde € 24 mil a € 150 mil, mientras 141.300 euro es la suma del nuevo record, batido en noviembre 2011 por Christie’s por una gran instalcion “Hound” (2000). En Europa el artista trabaja con la galería Stephen Friedman de Londres, y en America con la galeria James Cohan de New 

Yinka Shonibare, MBE, nació en 1962, de padres nigerianos, su familia se mudó a Lagos, Nigeria, cuando él tenía tres años. A los 16 años, regresó a Gran Bretaña para terminar sus estudios, su educación se puede decir que fue globalizada. "La clase media de los nigerianos lleva una vida cultural muy variada. Mi padre estudió leyes en Gran Bretaña, por ejemplo, yo hablo el yoruba, el idioma de Nigeria, y mis vacaciones de verano eran en Inglaterra e Italia. Era un estilo de vida muy cosmopolita"
  

Double Dutch (1994)

Acrylic paint on wall, emulsion, and acrylic on 50 Dutch wax printed cotton canvases, 332 x 588 cm

Private collection, USA

 

A la edad de dieciocho años se enfermó de una rara enfermedad neurológica, la mielitis transversa que es un trastorno neurológico causado por un proceso inflamatorio de la sustancia blanca de la médula espinal, Como resultado, fue paralizado completamente durante un tiempo, y en una silla de ruedas por tres años. Finalmente, pudo volver a caminar, pero su movilidad se vio afectada de forma permanente. "A medida que las cosas se pusieron mejor",  explica Shonibara "pensé que la única manera de seguir adelante era volver a la escuela de arte y continuar de donde la dejé."

Nelson's Ship in a Bottle, 2010

Fourth Plinth, Trafalgar Square, London

Es una escultura del buque insignia HMS Victory del almirante Horatio Nelso. La escultura considera la relación entre el nacimiento del Imperio Británico, posible en parte por la victoria de Nelson en la batalla de Trafalgar, y el multiculturalismo en Gran Bretaña hoy. 
"Para mí es una celebración a la inmensa riqueza étnica de Londres, dando  expresión y honrando a las muchas culturas y etnias, que todavía hoy, respiran el viento precioso de las velas del Reino Unido", dice Yinka Shonibare. La escultura es de 3,25 metros de altura y cinco metros de largo, pesa cuatro toneladas. Fue colocada el 24 de mayo de 2010 y permaneció hasta el 30 de enero de 2012. En el 2011 el Fondo para las Artes puso en marcha una campaña y logró recaudar dinero para la compra y el traslado de la escultura al Museo Nacional Marítimo de Greenwich, donde ahora tiene su nuevo hogar permanente, siendo ampliamente admirada

Shonibare estudió bellas artes primero en la universidad de Byam Shaw College of Art (ahora Central Saint Martins College of Art and Design) (1984-1989) y después en el Goldsmiths, University of London (1984-1989), donde recibió su MFA (Master of Fine Arts). Se graduó como parte de  la llamada generación de “Young British Artists” "Mi padre, que falleció hace unos seis años, era abogado, y se esperaba que yo también estudiara leyes. Pero, para su gran decepción, me fui a la escuela de arte. Eso no le cayó bien por tantos años. Después de dejar la escuela de arte, yo todavía estaba mendigando por dinero, mientras que mi hermano, que es cinco años menor, ya tenia  un salario cuatro veces mayor que el mió. Pero, con el tiempo, mi padre llego a estar muy orgulloso de mí"

Air, Earth, Water, Fire (2010) Mannequin, Dutch wax printed cotton textile, leather, wood, 

metal weather vein and metal baseplate, each 180 x 70 x 130 cm

Apenas terminados sus estudios trabajó como oficial de desarrollo de las artes en Shape Arts, una organización que hace  posible que el arte  sea accesible a las personas con discapacidad, personas sin hogar y encarcelados.  En 1990 nació su hijo Kayode Shonibare-Lewis. Comenzó a exhibir, mientras todavía era estudiante, en espectáculos tales como Interrogating Identity que recorrió los EE.UU. En 1992, fue seleccionado por la Barclay's Bankel premio al mejor artista joven en la Serpentine Gallery de Londres.

 

       Black Gold Toy Painting 6, (2006) Acrylic paint on Dutch wax printed cotton canvas, 38 1/2 X 41 in

Durante la última década la obra de Shonibare, como se dijo anteriormente,  se dio ha conocer por la exploración en los temas del colonialismo junto a los de raza y clase, a través de una serie de medios que incluyen pintura, escultura, fotografía, instalación, y, más recientemente, el cine y la performance. Con el uso de este amplio abanico de medios de comunicación, Shonibare examina, en particular, la construcción de la identidad y la interrelación complicada entre África y Europa y sus respectivas historias políticas y económicas. Mezclando la historia del arte y la literatura occidentales, se pregunta que cosa constituye nuestra identidad colectiva contemporánea hoy en día. Después de haberse descrito a sí mismo como un híbrido "post-colonial", Shonibare se pregunta  sobre el significado de las definiciones culturales y nacionales.

Shonibare reconoce sin ambages su discapacidad física como parte de su identidad, crea obras en la que esto es sólo una hebra de un tejido mucho más rico. A causa de su discapacidad, es físicamente incapaz de llevar a cabo la realización de sus obras, por eso trabaja con un equipo de asistentes que realizan su visión artística. En este contexto, el conceptualismo adquiere una  nueva perspectiva.  "Históricamente, las personas que hicieron grandes pinturas modernistas, eran hombres de clase media blanca estadounidense; Yo no tengo ese  físico;  No puedo hacer ese trabajo. Así que lo fragmento, en una forma que sea físicamente manejable y hago hincapié en la crítica política".

 

Leisure Lady (with ocelots) 2001 

Life-size fiberglass mannequin, 3 fiberglass ocelots, Dutch wax printed cotton, leather, glass

Vanhaerents Art Collection, Brussels

Un material clave en la obra de Shonibare desde 1994 son los colores brillantes de los tejidos africanos. Introdujo originalmente para las pinturas, en lugar del lienzo, la tela de cera holandesa, rica en significados para el artista. Inspirado por los batiks de Indonesia que se producían en Europa para el mercado de África Occidental en los siglos XIX y XX, estos se han convertido en el símbolo del artista, por su compleja red de intercambios económicos e interacciones raciales (y  interdependencias) entre Europa, Asia y África. Shonibare también realiza cuidadosas poses fotográficas y videos recreando celebres pinturas británicas o de la historia de la literatura, su trabajo contiene frecuentes referencias a la historia inglesa. Las obras escultóricas de Shonibare a menudo cuentan con maniquíes sin cabeza vestidos con elaborados trajes de época, anteriores a la Revolución Francesa, cuando la aristocracia europea controlaba una vasta riqueza, controlaba la tierra y el poder. Hace referencia a la historia del arte y a las pinturas de Jean-Honoré Fragonard  en particular, con sus representaciones de lujo y privilegio. Shonibare representa cuadros escultóricos con narraciones idílicas, románticas, así como escenarios imaginados de decadencia sexual y violencia.

Scramble for Africa (2003) 14 life-size fiberglass mannequins, 14 chairs, table, Dutch wax printed cotton 

The Pinnell Collection, Dallas

Shonibare fue galardonado como miembro de la Orden del Imperio Británico (MBE) en el año 2005, un premio que aceptó con cierta ironía, dado el enfoque crítico de su trabajo durante más de una década. Ha decidido adoptar este título en todo momento, utilizándolo como una "plataforma" desde la que explora más a fondo el legado colonial, la estructura de clases y la justicia social que permanecen en el país que él llama su casa. Su primera exposición individual fue en 1989 en Byam Shaw Gallery, Londres. Durante el período 2008-2009, fue un momento muy importante en  su carrera, exponiendo en Australia y en los EE.UU., a partir de septiembre de 2008 en el MCA Sydney, en junio del 2009 en Brooklyn Museum, New York y en octubre del 2009 en el  Museum of African Art at the Smithsonian Institution, Washington DC. Para el Museo de Brooklyn, creó una instalación para un sitio especifico titulada Mother and Father Worked Hard So I Can Play, que era un punto de vista de los varios salones de época del Museo. Otra instalación de sitio específico, Party Time-Re-Imagine America: A Centennial Commission fue al mismo tiempo vista en el Museo de Newark, en Newark, Nueva Jersey, desde julio de 2009, a enero de 2010.

Dorian Gray (2001) 

11 black-and-white photographs, 1 chromogenic photograph, each print: 30 x 37 1/2 in

 Collection of Emily Fisher Landau, New York 

La serie de retratos “Dorian Gray” aluden a la creación literaria de Oscar Wilde. El escritor terminó su novela, “El retrato de Dorian Gray”, en 1891y cuenta la historia de un hombre joven y guapo que pierde su alma para permanecer joven para siempre, mientras que un retrato oculto capta los efectos de su edad y de su corrupción moral cada vez mayor. En 1945, Dorian Gray se convirtió en una película de la Metro-Goldwyn-Mayer, donde predominaba el blanco y negro, y es de esta  adaptación cinematográfica de donde Shonibare se inspira, tanto mas que en la novela original. En la elección de las fotografías en blanco y negro, el artista emula el formato de la película, y pone de relievo el tema de la dualidad dentro de su arte. Dualidad o inversión se hace evidente en el retrato de Shonibare como Gray, originalmente un inglés blanco del siglo XIX. En un momento crucial en la película, el protagonista siempre joven está de pie ante su retrato arrugado, dañado, que brevemente se ve en Technicolor, haciendo hincapié en la transformación impactante; en la fotografía en color, de un solitario Shonibare muestra al artista, como en el retrato de Dorian Gray, su reflejo desfigurado de manera similar en un espejo dorado.

                           

Fake Death Picture (2011)

digital chromogenic print,148.91 x 180.98 cm

Henry Wallis   

Fake Death Picture(1856)

oil on canvas, 622 x 933 cm

Tate Britain, London

La muerte de Marat, la muerte de Sócrates, la muerte de Nelson en Trafalgar, son representaciones artísticas del fin de vida de algunos de los grandes hombres de Europa, y ocupan  un lugar en la historia de la pintura occidental. La figura de lord Nelson reaparece, (después de un trabajo referido a el Nelson's Ship in a Bottle - 2010) en la obra de Yinka Shonibare, que presenta una serie de cinco fotos tituladas Fake Death Pictures, definidas por el artista como "una recreación del suicidio a través de la historia de la muerte en la pintura". 

                             

 Fake Death Picture (2011)

digital chromogenic print, 148.91 x 198.12 cm

Bartolome Carducho

Death of St.Francis

Oil on canvas, 115x153cm

Museu Nacional de Arte Antiga, Lisbon

Shonibare imagina una visión dramatizada del trágico suceso de la muerte del almirante Horatio Nelson representada en la obra de Arthur William Devis y juega a lo largo de una serie de cinco alegorías fotográficas que reconstruyen escenas de algunas pinturas  clásicas sobre la muerte y el suicidio, como El suicidio de Leonardo Alenza y Nieto (1839) y Eduardo Manet (1877),  La muerte de Chatterton de Henry Wallis (1856), Muerte de San Francisco de Bartolomé Carducho (1593) y la muerte de Leonardo da Vinci por François-Guillaume Ménageot (1781).

Fake Death Picture (2011)

digital chromogenic print, 148.59 x 180.98 cm

Édouard Manet

The Suicide (1877-1881)

Oil on canvas, 38 x 46 cm.

Sammlung E. G. Bührle, Zürich

En cada toma, el protagonista es sustituido por la figura de Nelson, que reproduce los gestos adornado en coloradísimos y estridentes vestidos estilo batik. “La obra nace de una reflexión de la actual   crisis de occidente” cuenta Shonibare, “Nelson es un héroe del imperio británico, y nosotros vivimos en un tiempo en el cual el concepto de heroísmo y de imperio están desapareciendo. El trágico destino del almirante entonces se convierte en metáfora de destino del Occidente, un viejo mundo en declino, siempre mas aplastado por el surgimiento de los nuevos mercados Orientales”

Fake Death Picture (2011)

digital chromogenic print, 149.23 x 184.47 cm

Ménageot, Francois-Guillaume

Death of Leonardo da Vinci in the Arms of Francis I (1781)

Oil on canvas

Musée de l'Hotel de Ville, France

 

         

Fake Death Picture (2011)

digital chromogenic print, 193.99 x 148.91 cm

Leonardo Alenza y Nieto

Los Románticos o Sátira del suicidio romántico (1839)

oil on canvas, 36 x 28 cm

Museo Romántico, Madrid

                                                                                                                                  

Foto derecha:   The Sleep of Reason Produces Monsters - America (2008) 

C-print mounted on aluminium, 81.5 x 58 in.

Foto izquierda: The Sleep of Reason Produces Monsters - Europe (2008)  

C-print mounted on aluminium, 81.5 x 58 in. 

Las últimas fotografías de Shonibare,  reelaboran un grabado del artista español Francisco de Goya, quien comenzó su carrera durante el siglo XVIII, el Siglo de las Luces o Siglo de la Razón. En el grabado original, titulado El sueño de la razón produce monstruos, Goya está dormido en su escritorio, una masa ondulante de criaturas a su alrededor aumentan los temores irracionales nocturnos, en el sentido de que nos lleva a pensar realidades inexistentes, mundos imposibles, posibilidades terroríficas o teorías absurdas. Es el límite de la razón, en el que nos acercamos a lo irracional. En principio Goya tenía previsto que fuera la portada de sus grabados. Aquí se retrató de forma muy diferente a como finalmente decidió presentarse en el inicio de los Caprichos: abstraído, medio dormido y rodeado de sus obsesiones. Un búho le alcanza los útiles de dibujar, señalando claramente la procedencia de sus invenciones. En el dibujo preparatorio, pensado como Sueño, dice Goya “El Autor soñando. Su intento solo es desterrar vulgaridades perjudiciales y perpetuar con esta obra de caprichos, el testimonio sólido de la verdad”.

Foto derecha:   The Sleep of Reason Produces Monsters - Africa (2008) 

C-print mounted on aluminium, 81.5 x 58 in.

Foto izquierda: The Sleep of Reason Produces Monsters - Asia (2008)  

C-print mounted on aluminium, 81.5 x 58 in. 

El grabado de Goya de la serie Los Caprichos está numerado con el número 43 en la serie de 80 estampas, se publicó en 1799, y eran una crítica satírica a la España, a sus valores morales y a la corrupción política, también una critica a la nobleza y al clero. Las fotografías de Shonibare prosiguen  con la imagen original en cinco variaciones, cada una representa a un continente. La figura dormida es diferente en cada fotografía y está en contradicción con el continente al que representa: un hombre blanco en África, un hombre africano para Asia, y así sucesivamente. El fantasma de la sinrazón ronda cercano, su presencia es un recordatorio constante de que los seres humanos no son perfectos, racionales o iluminados todo el tiempo.

                 Foto derecha:    Francisco de Goya - El sueño de la razón produce monstruos,

  grabado nº 43 de Los Caprichos (1797). Aguafuerte, aguatinta, punta seca y buril, 21,5 x 15 cm

Foto izquierda: The Sleep of Reason Produces Monsters - Australia (2008) 

          C-print mounted on aluminium, 81.5 x 58 in.

Headless Man Trying to Drink (2005)

Fiberglass mannequin, Dutch wax printed cotton, polymer-gypsum fountain, water pump 

Collection of Melva Bucksbaum - Raymond Learsy, USA

Esta escultura presenta una situación incongruente, un hombre sin cabeza que está tratando de beber de una fuente de agua. Lo absurdo de esta escena se ve reforzado por el modelo del traje del hombre, marcando las características del motivo el agua que fluye en abundancia. Su elegante traje Victoriano diseñado a medida, sugiere que es una persona nota, un caballero de gustos coloridos. Alegre pantalón rojo  y moño verde en sus zapatos de charol, dan una nota a la figura y amplian el interés de larga data de Shonibare por el "dandy". Shonibare presenta sus escultura sin cabezas, de este modo, hace referencia en un modo entretenido a la Revolución Francesa y a la decapitación de los miembros de la élite gobernante. La ausencia de jefes  también elimina las referencias a la identidad individual o racial en sus figuras. La incapacidad del hombre para beber agua del grifo es particularmente irónica en la época actual. La escasez de agua, la sequía y los cambios climáticos han afectado a varias partes del mundo,  que conduce al ambientalista David Suzuki, a pensar que las futuras guerras del mundo se librarán por el agua, no por la tierra.

 Addio del Passato (2011)

Digital video -Duration 16 min 52 sec

En Addio del Passato, Shonibare explora el concepto de destino, su relación con los temas del deseo, el anhelo, el amor, el poder y la represión sexual. El film rodado en los estudios del artista y en la sugestiva Syon House, histórica residencia del duque de Northumberland, aborda celebres y contrastantes historias de amor, una de ficción, y la otra que realmente sucedió. La historia verdadera es aquella de Frances Nisbet, esposa del almirante Lord Nelson (abandonada del marido por un apasionado romance con Lady Hamilton) que en el film canta el aria del  3° acto Addio del Passato de la ópera La Traviata de Verdi. Shonibare encuentra un paralelo en la historia de la esposa de Nelson, con los sentimientos de pérdida y nostalgia, expresados en la opera de Verdi por la protagonista Violetta, en la víspera de su muerte inminente.“Todo el film está impregnado de un sentimiento de pérdida y nostalgia, un atmósfera que se asemeja a la incertidumbre y la pérdida de este nuestro periodo histórico”, comente Shonibare

Diary of a Victorian Dandy: 11.00 - 14.00 - 17.00 - 19.00 - 03.00 hours (1998)

Chromogenic photographs

Collections of Peter Norton and Eileen Harris Norton, Santa Monica, California

Esta serie de fotografías, son inspiradas en el estilo de vida del siglo XIX de un caballero elegante, joven, de la sociedad. Shonibare con escenas de distintos elementos muestra un día en la vida de un ficticio “dandy”, rodeado de amigos, aduladores y concomitantes funcionarios. Las imágenes resultantes se imprimieron en un conjunto de carteles gigantes que fueron expuestas en las estaciones del metro de Londres durante un mes, llegando así a un público muy amplio y mostrando una interesante superposición con los carteles publicitarios que las rodeaban. El Institute of International Visual Arts, que comisiono la obra, encargó a una empresa de estudios de mercado, de verificar cual era el significado para el publico en general, de las fotos-carteles expuestos. La mayoría de la gente los asocio a una exhibición o a una obra de teatro, otros los relacionaron con un museo o una casa señoril. De hecho, las fotografías fueron realizadas en forma deliberadamente ambigua, en contenido y contexto, con un híbrido de estilos y referencias, desdibujando  las líneas entre el arte y la fotografía comercial. Shonibare realiza una exploracion  del “dandy” vinculada a la figura histórica del icono de la moda Beau Brummel, considerado el primo dandy, o la persona que mejor represento el dandismo y elingenioso y famoso escritor Oscar Wilde. También nos recuerdade la tendencia actual de dandismo en la cultura Black British, desde celebridades como el  boxeador Chris Eubank y el diseñador Ozwald Boateng, con un estilo fuertemente callejero, imponiendo los códigos de la moda entre los jóvenes de color.  En cada caso, el dandy es un outsider que sin embargo es admiradoen la sociedadpor su estilo único y por su decadencia