INFO ARTE (Exposiciones en el mundo)

FAENA ART CENTER (Buenos Aires – Argentina) - Los Carpinteros

En septiembre de 2011 el Faena Group abrió en Buenos Aires, el Faena Arts Center, un centro de exposiciones y de experimentación artística, transformando la antigua sala de máquinas de Los Molinos, emblemático edificio, en un centro de arte a la vanguardia. El nuevo espacio, que requirió una inversión de más de 14 millones de dolares, abarca 4000 m2 y fue concebido como un lugar para promover las diversas formas de expresión artística y explorar todas las combinaciones posibles entre arte, tecnología y diseño. "Este período histórico en que vivimos, nos enfrentamos a los retos y a las condiciones que determinan cambios sustanciales en la manera de pensar. Nos obliga a confrontar y repensar radicalmente la forma en que debemos afrontar el futuro. Faena Arts Center es un hito en el camino recorrido desde cuando iniciamos con el Art District". (Alan Faena)

Los Carpinteros - Alumbrado público (2012

El Faena Arts Center en la actualidad presenta una exposición individual del colectivo Los Carpinteros (The Carpenters), considerados como unos de los artistas internacionales más relevantes que surgieron de Cuba en la última década del siglo XX. Los Carpinteros es un dúo artístico formado por Marco Castillo y Dagoberto Rodríguez. Adoptó su nombre en pos de renunciar al concepto de autoría individual y remitirse a una antigua tradición gremial de artesanos. En sus instalaciones el grupo usa esculturas, acuarelas, diseño, arquitectura y urbanismo, de forma asombrosa y muchas veces cómica. “Venímos de lugares del interior de Cuba. Lo que habíamos aprendido a hacer era dibujar, pintar, carpintear, trabajar con las manos. La técnica no era contemporánea, pero el enfoque sí era totalmente de vanguardia”. Ellos están interesados ​​en la interacción del arte con la sociedad. Para la exposición en el Faena Arts Center, Los Carpinteros, optaron por presentar tres obras escultóricas: Avião, El Barrio, y Alumbrado Público. Las obras de Los Carpinteros forman parte de las colecciones de los museos de arte de renombre como Los Angeles County Museum of Art, el Museo de Arte Moderno y el Museo Guggenheim de New York, la Tate Modern de Londres, el Museo de Bellas Artes en La Habana; y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid. Marco Castillo y Dagoberto Rodríguez se graduaron en el Instituto Superior de Arte (ISA) en La Habana. En 1991 formaron el colectivo. La exposición de Los Carpinteros se muestra en la Sala de Molinos del Faena Art Center, y se puede visitar hasta fin de agosto. 

FAENA ARTS CENTER

Los Carpinteros - Marco Castillo (1971) y Dagoberto Rodríguez (1969)
Paine 1169, Puerto Madero
Buenos Aires, Argentina, 1137

Horarios: De miércoles a domingos de 12 a 19hs.

Admisión General $25

Los Carpinteros - Avião (2011)

Los Carpinteros - El Barrio (2007)

 

The National Gallery: Metamorphosis: Titian 2012

Como contributo a la Cultural Olympiad's London 2012 Festival, la National Gallery ha emprendido, en una colaboración innovadora, con la Royal Opera House la exposición de  artes múltiples Metamorphosis: Titian 2012, que revela cómo las pinturas de Tiziano inspiran todavía a artistas del presente. La exposición reune a tres artistas visuales contemporáneos (Chris Ofili, Conrad Shawcross y Mark Wallinger), siete coreógrafos, compositores, tres libretistas, y varios poetas, en respuesta a los tres cuadros de Tiziano (1490- 1576) . "Diana y Acteón", "La muerte de Acteón" y "Diana y Calisto". 

La performance de los ballets se transmite de forma simultánea en una pantalla gigante en Trafalgar Square. El proyecto, representa un encuentro sin igual de talentos. Los bailarines son Tamara Rojo y Carlos Acosta, el coreógrafo Wayne McGregor y Christopher Wheeldon, y el compositor Mark-Anthony Turnage.

Foto izquierda:Diana and Actaeon (1556-59) Oil on canvas, 184.5 x 202.2 cm – The National Gallery, London

Foto centro: The Death of Actaeon (1559-75) Oil on canvas, 178.8 x 197.8 cm - The National Gallery, London

Foto derecha: Diana and Callisto (1556-59) Oil on canvas, 187 x 204.5 cm  - The National Gallery, London

Estos tres cuadros, pintados para el rey español Felipe II en el siglo XVI, se inspiran en la Metamorfosis del poeta romano Ovidio, y representan las escenas en donde Calisto, una de las ninfas de Diana, es desterrada por haber quedado embarazada (Diana y Calisto , 1556-1559), otro  momento es cuando el cazador Acteón ingenuo tropieza en el baño de las ninfas (Diana y Acteón, 1556-1559), y por venganza Diana convierte Acteón en un ciervo, que luego es devorado por sus propios perros de caza (La muerte de Acteón, 1559-1575). Los temas fueron escogidos por Tiziano por ser considerados, eróticos y sensuales,  estos cuadros eran colgados en una habitación sólo para hombres, y cubiertos, cada vez que una mujer debia entrar. Por lo tanto, no se han visto colgados juntos desde que a su tiempo eran en el estudio de Tiziano.

The National Gallery, Londres

Metamorphosis: Titian 2012

Trafalgar Square, London WC2N 5DN, London

Hasta el 23 de Septiembre 2012

Admision gratis 

Ed Ruscha, entre el pop, el beat y el conceptual

Dos muestras personales, una en los Estados Unidos y otra en Austria, celebran la carrera de Ed Ruscha(Omaha, Nebraska, 1937). Artista estadounidense asociado con el movimiento Pop. Su trabajo abarca desde la pintura a la fotografía, pasando por el grabado. Aunque nació en Nebraska, Ruscha vivió 15 años en Oklahoma City antes de trasladarse a Los Ángeles donde estudió en el Instituto de Arte Chouinard (ahora conocido como Instituto de Arte de California) desde 1956 a 1960. Después de graduarse, trabajó como diseñador para la agencia de publicidad Carson-Roberts en Los Ángeles. En los primeros años 60 era muy conocido por sus cuadros, collages, y fotografías, y por su relación con el grupo de la Galería Ferus, que incluía artistas como Robert Irwin, Edward Moses, Ken Price, y Edward Kienholz. La primera exposición individual de Ruscha en la galería Leo Castelli de New York se inauguró en febrero de 1973. Enseño en UCLA como profesor invitado en 1969 y trabajó como diseñador para la revista Artforum bajo el seudónimo de “Eddie Russia” de 1965 a 1969. En 2006, Ruscha fue nombrado administrador del Museo de Arte Contemporáneo MoCA en Los Angeles junto con Susan Gersh y David Jonson. Entre las influencias de Ruscha podemos destacar los trabajos de Jasper Johns, Arthur Dove, Alvin Lustig y de Marcel Duchamp. Las obras de estos artistas fueron una fuente de inspiración para Ruscha y produjeron un cambio de interés desde el diseño gráfico hacia la pintura.

Rebel (2011) acrylic on canvas

La literatura y mas en general la palabra son elementos recurrentes en los trabajos de Ruscka. La muestra al Moca de Miami, On the Road, toma el titulo del libro de Jack Kerouc (1922-1969), obra maestra de la literatura beat. Desde 1964, Ruscha ha estado experimentando con pinturas y dibujos con palabras y frases, a menudo frases extrañamente cómicas o irónicas. En el 2009 Ruscha realiza un libro de artista en el cual ilustraba On the Road con fotografías encontradas a caso y otras tomadas por el. A este trabajo, centro de la exposición, se adjuntan pinturas y dibujos en los que se destacan frases tomadas del mismo libro.

Ed Ruscha: On The Road

Museum of Contemporary Art (Moca) North Miami

Joan Lehman Building, 770 NE 125th Street, North Miami, Florida

Hasta el 25 de Septiembre, 2012.

Admision u$s 5

Standard Station, Amarillo, Texas (1963) Oil on canvas 

Hood Museum of Art, Dartmouth College, Hanove

Twentysix Gasoline Stations (1962), Thirtyfour Parking Lots (1967), Nine Swimming Pools and a Broken Glass (1968), son sólo algunos de los memorables títulos de los libros hechos por Ed Ruscha desde el inicio de sus cincuenta años de carrera. Años en los que el artista ha creado una inmensa cantidad de trabajo (desde el dibujo a la pintura a la fotografía al libro), que ahora son parte del patrimonio cultural colectivo. La exhibición de Bregenz (Austria) Reading Ed Ruscha, reconstruye la carrera del artista, desde el principio de los años sesenta hasta la actualidad, y presenta por primera vez una serie de obras nuevas, algunas de las cuales se crearon especialmente para esta exposición. En particular la muestra se concentra sobre sus libros, que Ruscha, además de realizarlos, los describe pintándolos. Pero no faltan los cuadros clásicos, como las celebres estaciones de servicio, y los paisajes que hacen de fondo a cartas y frases (Not a bad World, is it?, 1984, y The mountaing, 1998, entre otros)

Ed Ruscha: Reading Ed Ruscha

Kunsthaus Bregenz  

Karl-Tizian-Platz, Postbox 45-6900 Bregenz (Austria)

Hasta el 24 de octubre 2012

Admision €  9

 

Andy Wahrol y  el poder de los medios 

Andy Warhol (1928-1987) y los medios, un amor largo una vida. El artista americano tenia bien claro el rol de los medios en la creación de una celebridad. En esto, lo había precedido Filippo Tommaso Marinetti que en el 1909 había encomendado a un periódico, Le figaro, su manifiesto Futurista. Pero también, Salvador Dalí que cortejaba diarios y televisión y era a su vez perseguido por los medios.

Andy Warhol en la Factory de New Yok con el tríptico "Fate Presto" (1981)

La muestra Andy Warhol-Headlines, que llega a la Galleria d’arte moderna de Roma, después de las etapas a la Nacional Gallery de Washington y al Museo fur moderne kunts de Frankfurt contando como los medios entraron en el trabajo del protagonista de la Pop art. Esta es la primera exposición dedicada a las obras de Andy Warhol sobre los títulos del  periodismo. Warhol-Headlines  recopila y presenta unas 80 obras -pinturas, dibujos, grabados, fotografías, esculturas, cine, vídeo y televisión- basadas en gran medida en las noticias de los tabloides, que trasluce la obsesión por el lado sensacionalista de los medios de comunicación contemporáneos que caracterizo toda la carrera del artista. Son puestas en comparación el trabajo realizado con diferentes técnicas y medios diversos para mostrar cómo Warhol, cortaba,  alteraba, ocultaba, y reorganizaba el texto y las imágenes originales, haciendo hincapié en su papel de editor como también de autor. A menudo en el curso de su carrera agrandaba las tapas de los periódicos, hasta 1962 los copiaba a mano, después los serigrafiaba. Elegía aquellas de los diarios populares, la vida de los actores o exponentes de las casas reinantes en Europa. A veces con las mismas intenciones dedicaba sus trabajos a desastres y tragedias como los incidentes aéreos, las muertes violentas, o también un terremoto. Un mundo de crónicas rosas y negras que vivían de la misma materia.

Foto izquierda: Andy Warhol-Keith - Haring Untitled (Madonna, I'm Not Ashamed), 1985 synthetic polymer, Day-Glo, and acrylic on canvas 50.8 x 40.6 cm - Collection Keith Haring Foundation, New York

Foto derecha: Andy Warhol-Michel Basquiat - Ailing all fight of live (1984) acrylic and oil stick on canvas, 193 x 266,7 cm – Bischofberger Collection, Switzerland

Andy Warhol-Headlines

Galleria d’arte moderna di Roma

Viale delle Belle Arti, 131 - 00197 Roma

Hasta el 9 de septiembre 2012

Admisión Integrada muestra+museo € 10

  

Antonio Saura al  Kunstmuseum de Berna

Dora Maar (1983), oil on canvas, 162 x 130 cm 

Collection Philippe Setton, Geneve

Autodidacta, Saura (1930-1998) comenzó su carrera artística en 1947 bajo la influencia de Yves Tanguy y Joan Miró. En busca de un "verdadero paisaje del inconsciente", comenzó a producir sus primeras obras surrealistas a partir de 1950. Posteriormente permaneció en París durante bastante tiempo. Desde 1956 comenzó a desarrollar un estilo propio que se distingue por su estructura expresiva y de fuerte carácter gestual como la serie temática Damen 7 (damas 7) y Selbstbildnisse (Retratos). En su obra completa en repetidas ocasiones Saura revela su interés por la expresión de otros artistas como Diego Velázquez, Francisco de Goya y Pablo Picasso.
La retrospectiva presentada en el Kunstmuseum de Berna, se centra en todas las fases del desarrollo creativo del artista, representa su gran serie de imágenes a través de obras clave, y, no menos importante, explora facetas de su obra ilustrativa y gráfica. Además, se exhiben esculturas del artista. Se trata de un ambicioso proyecto, tomando como  punto de referencia su primera gran retrospectiva del 1979, exposición organizada por Ad Petersen en el Stedelijk Museum de Amsterdam, mientras que Saura todavía estaba vivo. Se puede visitar hasta el 11 de noviembre 2012

Riotous Baroque: Desde Cattelan a Zurbarán al Kunsthaus de Zürich

Instalacion de Maurio Cattelan - Untitled (2007)

“Riotous Baroque”  hace un enfoca del arte del seiscientos al arte de hoy, para investigar el sentido de precariedad que, hechas las debidas diferencias, parece unir las dos épocas. En el subtitulo se lee “Manifiesto de la Vitalidad precaria” aquella vitalidad gradualmente exuberante, macabra, provocante que los artistas de la época y de hoy representan como reacción al clima de incertidumbre. El barroco se asocia con el dinamismo, la sensualidad, la extravagancia y la teatralidad, con un alejamiento de la solemnidad calma de las formas clásicas, pero también con una época de inestabilidad y ruptura de los órdenes establecidos. Ha sido identificada como una "cultura de los flujos e interfaces” (Christine Buci-Glucksmann), y “el comienzo de nuestra era moderna” (Erwin Panofsky). La exposición también nos recuerda que el arte del barroco sólo ha gozado de un reconocimiento universal desde los años 1930-1940, gracias -como tan a menudo- a los historiadores del arte que, armados con una cierta proximidad con el arte de su época, se atrevieron a mirar hacia el pasado. Fue Erwin Panofsky, que vio el barroco como fundado en "la victoria del subjetivismo, que tiene como objetivo expresar el sufrimiento y el humor en la misma medida". La muestra no sigue el curso de la historia, sino que hace el camino inverso, partiendo de Maurizo Cattelan para terminar con Francisco de Zurbaran. Entre los contemporáneos además de Cattelan encontramos a Nathalie Djurberg, Oscar Tuazon, Robert Crumb, Urs Fisher, Cindy Sherman. Entre los maestros del barroco se encuentran Pieter Aertsen, Valentin de Boulogne, Jacob Jordanes, Monsu Desiderio, Dirk van Barburen, Adrian Brouwer y el ya nombrado Francisco de Zurbaran

"El Último Rafael" en el Museo Del Prado

Bindo Altovitti (1516-1518) 

 Óleo sobre tabla, 59,7 x 43,8 cm

National Gallery, Washington

El último Rafael es una de las exposiciones más importantes dedicadas al artista y su taller, y la primera centrada en sus años finales, etapa de su producción que le convirtió en el pintor más influyente del arte occidental. La muestra expone setenta y cuatro obras en total, de las cuales la mayoría no se han mostrado nunca antes en España tranzando un recorrido cronológico por la actividad del maestro, desde el inicio del pontificado de León X (1513) hasta su muerte en 1520, y de la de sus principales discípulos, Giulio Romano y Gianfrancesco Penni, hasta finales de 1524.Esta exposición busca delimitar mejor las fronteras entre las obras ejecutadas por Rafael y las realizadas con la participación de sus principales ayudantes, Giulio Romano (h. 1499 – 1546) y Gianfrancesco Penni (h. 1496 – 1528).La muestra empieza en 1513, cuando Rafael ya llevaba trabajando en Roma cinco años decorando las monumentales estancias vaticanas en paralelo a otros importantes artistas italianos, como Miguel Ángel (su principal rival que trabajaba entonces en la Capilla Sixtina) y Sebastiano del Piombo, primero bajo el pontificado del Papa Julio II y después del Papa León X. La exposición cuenta con un conjunto histórico de cuarenta y cuatro pinturas, veintiocho dibujos, una pieza arqueológica y un tapiz, procedentes de cerca de cuarenta instituciones distintas. El público puede disfrutar de un recorrido en el que se presenta de forma cronológica y en seis ámbitos temáticos el desarrollo pictórico y estético de Rafael al tiempo que se compara su evolución artística final con una selección de obras de sus dos seguidores Romano y Penni, tanto de las realizadas en vida del artista de Urbino como de las inmediatamente posteriores a su muerte. Esta inédita comparación permite identificar la participación de maestro y alumnos en las obras, así como dilucidar la contribución intelectual y estética de éstos a la obra de Rafael. Entre las obras más sobresalientes que viajan por primera vez a España destacan el sereno retrato de uno de sus amigos, Baldassare Castiglione (1519), procedente del Musée du Louvre, o el gran cuadro de altar, Santa Cecilia (1515-1516), de la Pinacoteca Nazionale de Bolonia, en el que el espectador puede admirar la singular belleza de sus figuras y la composición armónica y perfecta de las mismas, destreza que el artista logró alcanzar durante su estancia en Roma. Asimismo, destacan los cuadros del maestro que el propio Museo del Prado conserva de su etapa madura, entre los que se encuentra la gran tabla transferida a lienzo El Pasmo de Sicilia (1515-1516), que se exhibe en la muestra por primera vez tras su restauración. 

Raffaello Sanzio: “El último Rafael”

Museo Nacional del Prado.

Calle Ruiz de Alarcón 23 - Madrid 28014

Hasta el 16 de septiembre 2012

Admisión € 12

Hopper al Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid

Habitación de hotel ( 1931) 

Óleo sobre lienzo, 152,4 x 165,7 cm

Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

La exposición reúne la más amplia y ambiciosa selección de la obra del artista estadounidense que se haya mostrado hasta ahora en Europa, con préstamos procedentes de grandes museos e instituciones como el MoMA y el Metropolitan Museum de New York, el Museum of Fine Arts de Boston, la Addison Gallery of American Art de Andover o la Pennsylvania Academy of Fine Arts de Filadelfia, además de algunos coleccionistas privados, y con mención especial al Whitney Museum of American Art de Nueva York, que ha cedido 14 obras del legado de Josephine N. Hopper, esposa del pintor. Organizada por el Museo Thyssen-Bornemisza, que alberga la colección más importante de su obra fuera de Estados Unidos, y por la Réunion des musées nationaux de Francia, esta exposición, que se presenta primero en Madrid y más tarde en París, permite al público disfrutar de cuadros que sólo se han expuesto en contadas ocasiones en Europa. La muestra en Madrid presenta una selección de 73 obras y analiza la evolución de Hopper en dos grandes capítulos. El primero de ellos arranca con su paso por el estudio de Robert Henri en la New York School of Art y recorre el periodo de formación del artista, con óleos, dibujos, grabados y acuarelas que, de 1902 a 1924 aproximadamente, ya empiezan a reflejar su estilo propio. Se exponen así mismo algunas piezas de otros artistas que influyen en su obra, como el propio Henri, George Bellows, Félix Valloton, Walter Sickert, Albert Marquet o Edgar Degas. La segunda parte se centra en la producción de su etapa de madurez y repasa su trayectoria artística de manera temática, destacando los motivos y asuntos más recurrentes de su trabajo, aunque siguiendo un hilo cronológico.

Hopper

Museo Thyssen-Bornemisza

Paseo del Prado, 8 - 28014 Madrid

Hasta el 16 de septiembre 2012

Admisión combinada para el Museo y la exposición € 15